Eintauchen in die Reihe Tales – ein Format für Klanghandwerker
In der Musik neigt man oft dazu, das Endergebnis ins Rampenlicht zu stellen. Die Gesichter, die Stimmen, die von zu heißen Scheinwerfern beleuchteten Bühnen. Und das auf Kosten des Prozesses. Fast würde man vergessen, dass hinter jedem eingängigen Riff, jedem Beat, der in Dauerschleife läuft, eine ganze Konstellation von Handwerkern steht. Menschen, die Klang formen, unsichtbare Entscheidungen treffen, bis spät arbeiten, manchmal zweifeln, aber weitermachen, weil sie wissen, dass ein Detail alles verändern kann.
Für sie haben wir Tales entwickelt.
Ein Format, das all jene würdigt, die Musik möglich machen: die Toningenieure, die in letzter Minute eine Aufnahme retten, die Manager, die einen Funken vor allen anderen erkennen, die künstlerischen Leiter, die eine Richtung vorgeben, wenn ein Projekt noch nach seiner Form sucht, die Techniker, die in Rekordzeit eine Bühne aufbauen, die Musiker, die begleiten, beruhigen und veredeln.
Simon Clair – einige Projekte
Für diese erste Folge haben wir Simon Clair, Musikjournalist, Autor und Dokumentarfilmer, das Mikro gereicht. Als ehemaliger Chefredakteur von Trax Magazine erforscht er heute weiterhin die Wandlungen des Klangs für Arte, insbesondere mit seiner Reihe Auto-Tune. Mit uns blickt er auf seinen Werdegang, seine Anfänge zwischen Jazzplatten und Familiendebatten, sein Verhältnis zum Schreiben und die Veränderungen des Berufs zurück.
Das Tales-Interview
Was sind deine ersten Erinnerungen, die mit Musik verbunden sind?
Mein Vater war Musiklehrer an einer weiterführenden Schule, deshalb gab es zu Hause überall Instrumente
. Er hatte auch eine riesige Plattensammlung. Eine meiner ersten prägenden Erinnerungen
ist, wie ich als Kleiner vor seinen Vinylplatten stand, ihm Bilder oder Gefühle beschrieb – etwa „eine
Großstadt bei Nacht, es hat gerade geregnet“ – und er mir Chet Baker, Kind of Blue,
Libertango von Piazzolla vorschlug. Er machte mir einen Stapel fertig und sagte: „Geh das in deinem Zimmer hören und
schau, was es mit dir macht.“ So habe ich einen Teil meiner musikalischen Kultur aufgebaut:
indem ich versucht habe, Empfindungen Namen zu geben.
Und wann hast du dir gesagt: „Musik wird Teil meines Lebens sein, auch beruflich“?
In der Jugend. Ich hörte Offspring, Rockbands, und ich fühlte Dinge,
die so intensiv waren, dass ich mir sagte: „Das kann unmöglich nicht Teil meines Lebens sein.“ Und
dann las ich die Rezensionen in Musikmagazinen und entdeckte, dass man bezahlt werden konnte,
um seine Meinung zu einer Platte abzugeben. Später würde ich verstehen, dass man dafür nicht so viel bezahlt wird
(lacht), aber damals faszinierte mich das.
Gibt es Alben, die du noch hörst, um in diese Zeit zurückzufinden?
Ja, natürlich. Mein Vater ist vor zwei Jahren gestorben, und ich habe seine gesamte Sammlung bekommen.
Bestimmte Platten zu hören, verbindet mich wieder mit ihm. Zum Beispiel Get Yer Ya-Ya’s Out von den
Rolling Stones, Kind of Blue von Miles Davis, jede Menge Jazzplatten … Ich sehe meinen Vater wieder vor mir,
wie er mir Geschichten zu diesen Stücken erzählt. Das ist immer noch sehr präsent.
Wie hast du gemerkt, dass dein Ding nicht das Spielen, sondern das Schreiben über Musik ist?
Ich habe versucht, Gitarrist zu werden, war am Konservatorium, aber ich merkte schnell, dass mich
die Gespräche über Musik begeisterten, die endlosen Debatten mit Freunden oder
in der Familie. Dort fühlte ich mich am richtigen Platz: nicht beim Interpretieren, sondern beim
Vermitteln, beim Schreiben.
Kannst du die wichtigsten Etappen deines Werdegangs nachzeichnen?
Es gab mehrere Kapitel.
Zunächst die musikalische Entdeckung in jungen Jahren mit meinem Vater. Dann das Konservatorium, das mir
beigebracht hat, Musik aus einer stärker strukturellen Perspektive zu verstehen.
Danach die Uni, wo ich begriff, dass es Studiengänge gab, in denen man über Musik schreiben konnte.
Ich begann, Texte einzuschicken und überall ein wenig zu schreiben, bis ich Chefredakteur von
Trax wurde.
Dort entwickelte ich eine stärker redaktionelle Sichtweise, die weniger auf meine eigenen Artikel fokussiert war. Und
seitdem wechsle ich zwischen Printmedien und Dokumentarfilmen.
Wer oder welches Medium hat dir als Erstes den Einstieg ermöglicht?
Mehr als eine Person war es ein Magazin. Das erste, das mir eine Chance gab, war
Snatch. Es wurde 2015 eingestellt, wenn ich mich nicht irre. Um es einzuordnen: Es war eine Art
rein kulturelle Version dessen, was Society heute machen würde: lange Reportagen, viel
Raum für Geschichten, lange Formate, aber mit Kultur im Mittelpunkt.
Es war ein Magazin, das ich las und sehr mochte. Und ich dachte nicht unbedingt,
dass ich dort einen Platz haben könnte. Durch eine zufällige Begegnung wurde mir eines Tages vorgeschlagen,
etwas Kleines für sie zu schreiben. Ich war total gestresst und schrieb es super schnell, um
pünktlich zu sein, den braven Schüler zu geben. Ich glaube, diese Seite als braver Schüler gefiel ihnen. Sie vertrauten mir
immer mehr an. Und dort fing für mich alles an.
Ich werde ihnen immer dankbar sein, dass sie mir zu einem Zeitpunkt vertraut haben, als ich selbst
nicht sicher war, ob ich dort meinen Platz hatte. So habe ich übrigens auch Quentin Guériot
(ehemaliger Geschäftsführer von Trax) kennengelernt.
Kannst du uns etwas über dieses berühmte Jul-Cover bei Trax erzählen?
Ich war gerade erst Chefredakteur. Wir wollten die redaktionelle Linie aufrütteln und uns für ein
jüngeres Publikum öffnen. Trax schottete sich etwas in einer Blase aus Elektro-Puristen ab, und ich
hasse dieses Gerede: „Ich bin besser als du, weil ich das höre.“
In der Redaktion hörten wir wirklich Jul, wir mochten das. Und Marseille wurde zu einer Stadt, über die
immer mehr gesprochen wurde. Es war also nicht bloß ein PR-Coup. Aber ja, das Cover hat
Reaktionen ausgelöst. Manche gingen, andere kamen. Ich denke gern, dass wir die
weniger Aufgeschlossenen verloren und die Neugierigeren gewonnen haben.
Was war die Idee hinter der Dokumentation über Autotune für Arte?
Alles begann mit den Debatten, die wir unter Freunden führten: Ist Autotune Betrug? Ist das
Singen? PNL hatte gerade in Frankreich den Durchbruch geschafft. Es gab eine sehr starke
Autotune-Ästhetik. Wir wollten diesen robotischen und melancholischen Vibe erzählen und zugleich auf
die Kritik antworten.
Es war auch eine Möglichkeit zu erklären, was dieses Tool in Sachen Sounds,
Vorstellungswelten und Kontroversen hervorgebracht hat.
Spürst du eine wachsende Begeisterung für Musikdokus?
Ja. Die Sender versuchen, ein jüngeres Publikum zu erreichen. Hinzu kommt der YouTube-Effekt:
Es entstehen viele hybride Formate. Und paradoxerweise gibt es neben kurzen Formaten
à la TikTok auch einen echten Wunsch nach langen Formaten. Die Dokumentation über DJ Mehdi hat zum
Beispiel extrem gut funktioniert. Das zeigt, dass man ein Thema vertiefen, weiterentwickeln kann und dass
das Publikum da ist.
Was ist für dich die große Veränderung des Berufs?
Als ich angefangen habe, mussten Journalist*innen im Hintergrund bleiben. Heute verlangt man von
Journalist*innen, eine eigene Stimme zu haben, sichtbar zu sein und in den sozialen Netzwerken präsent zu sein. Es gibt eine echte
Self-Branding-Logik.
Journalist*innen haben manchmal mehr Follower als die Medien selbst. Das verändert
das Gleichgewicht. Auch technisch hat sich alles weiterentwickelt: die Software, die Produktionsgeschwindigkeit, alles
geht schneller.
Bei 200 000 Songs, die jeden Tag auf Spotify erscheinen: Wie schafft man es als
Musikjournalist*in, sich nicht überfordert zu fühlen?
Ehrlich gesagt fühlt man sich überfordert. Es ist unmöglich, alles anzuhören, was erscheint. Die einzige
Lösung ist, weniger, aber besser zu hören.
Und besser zuzuhören bedeutet, sich die Zeit zu nehmen, den Song, seinen Kontext und
die damit verbundenen Fragen zu verstehen. Warum klingt dieses Schlagzeug so? Was sagt das über das
Musikgenre, die Zeit, den Werdegang des*der Künstler*in aus?
Heute haben wir noch nie so viel Musik gehört, aber vielleicht auch noch nie so schlecht. Alles
wird zur Hintergrundmusik. Ein Album erscheint, zwei Stunden später schreit die ganze Welt, es sei
das Album des Jahres … und dann geht es schon weiter zum nächsten. Mit der Zeit ist mein Verhältnis zur
Musik langsamer, aufmerksamer geworden.
Ich kehre oft zum Hören auf Platte zurück. Denn das zwingt mich, langsamer zu werden. Sie
zu holen, aufzulegen, die Seite zu wechseln. Diese Zeit ermöglicht es, wirklich
eine Aussage zu entwickeln, eine Kritik mit Substanz zu schreiben.
Hast du irgendwann daran gedacht, dein eigenes Medium zu gründen?
Nein.. Es gibt schon viele Medien. Und ich mag Teamarbeit. Ein Medium zu gründen ist
am Anfang oft ein sehr einsames Abenteuer. Ich ziehe es vor, ein bestehendes Medium umzugestalten. Und
ehrlich gesagt wäre ich nicht in der Lage, einen Namen auszuwählen …
Du wechselst viel zwischen Presse, Bild, Schreiben … Ist das Absicht?
Ich denke, Journalismus ist von Natur aus ein Beruf mit vielen Hüten. Man muss neugierig sein,
improvisieren können und eine Geschichte auf die bestmögliche Weise erzählen. Und ja, ich mag es,
die Blickwinkel zu vervielfachen und verschiedene Formate zu erkunden.
Eine Szene, die du gern dokumentieren würdest?
Die Sound-System-Szene in Jamaika.
Ein*e Künstler*in für ein ausführliches Interview?
Bad Bunny, ohne zu zögern. Er hat einen enormen gesellschaftlichen Einfluss, und musikalisch ist er ein
Phänomen.
Außerdem hatte ich das Glück, Ryuichi Sakamoto zu interviewen. Das ist das Interview, das mich am meisten
geprägt hat. Ein Quell der Weisheit, Eleganz und Intelligenz. Ich hätte liebend gern noch einmal
mit ihm gesprochen.
Und wenn du dein Büro überallhin teleportieren könntest?
Tokio, Lissabon, aber eigentlich Paris. So sehr ich auch woanders gelebt habe, dort fühle ich mich am
wohlsten. Die Energie der Stadt stimuliert mich
