Interview mit Clémence Ducreux, Filmkomponistin – TALES ep.2 S2

Als Komponistin für Filmmusik hat Clémence Ducreux ihren Weg abseits der klassischen Ausbildungswege gefunden. Eher Pianistin nach Gehör als nach Noten, absolvierte sie zunächst eine Tontechnikschule, die ISTS, bevor sie ans Berklee College of Music in Boston wechselte, wo sie sich auf Komposition für Kino und Videospiele spezialisierte. Sie zeichnet unter anderem für die Musik der Serie Enjoy sowie der Spielfilme Des jours meilleurs und Classe moyenne verantwortlich. Schon früh geprägt vom Minimalismus eines Philip Glass oder John Adams, entwickelte sie eine Schreibweise aus repetitiven Motiven, Texturen und langsamen Entwicklungen, bei der die Nuance genauso viel zählt wie die Melodie.

In dieser Folge von Tales blickt Clémence auf ihre ersten musikalischen Erinnerungen zurück, auf einen Werdegang, den sie als eine Art „Treppenaufstieg“ beschreibt, sowie auf die Faszination für obsessive Motive, die ihre Art zu komponieren bis heute prägt. Sie erzählt auch vom Kontrast zwischen einer Tontechnikausbildung, die sie eher notgedrungen absolvierte, und der Befreiung, die Berklee für sie bedeutete, bevor sie auf ihre jüngste Arbeit an der Serie Enjoy und ihren Spielfilmen zu sprechen kommt – und darauf, was ihre Entscheidungen wirklich leitet: die zu vermittelnde Emotion und die Beziehung zur Regisseurin oder zum Regisseur.

Clémence Ducreux

Das Tales-Interview

Was sind deine frühesten Erinnerungen an Musik, die ersten Emotionen, die du mit ihr verbindest?

Ich glaube, das begann ziemlich früh. Mit sechs Jahren habe ich angefangen, Klavier zu spielen, und war dadurch schnell mittendrin. Zu Hause wurde trotzdem Musik gehört, und dann kam noch der CD-Walkman dazu. Ich erinnere mich, dass ich ihn gegen Ende der Grundschulzeit bekam und ihn ständig auf den Ohren hatte, egal ob auf dem Schulweg oder zu Hause. Diese Nähe durch den Kopfhörer mochte ich sehr. Ich glaube, die ersten wirklichen musikalischen Emotionen kamen genau in dieser Zeit, relativ früh also.

Du sprichst von zu Hause, von diesem Umfeld: Kommst du aus einer sehr musikaffinen Familie?

Nicht wirklich. Mein Bruder ist zwar in der Musik tätig, aber er ist erst später dazugekommen und vor allem recht spät ausgezogen, sodass ich als Kind nicht unbedingt über ihn mit Musik in Berührung kam. Außerdem hören wir überhaupt nicht dieselbe Musik. Meine Eltern wiederum haben gar nichts mit Musik am Hut, eher mit Film. Mein anderer Bruder auch nicht. Nein, ich würde nicht sagen, dass ich in einem musikalischen Umfeld aufgewachsen bin.

Man kann also sagen, dass du dir die Musik selbst gesucht hast?

Ja, ich glaube, ich habe sie mir gesucht. Ich weiß nicht genau, wo, aber ja, so ist es wohl gelaufen.

Wenn du deinen Werdegang von der Jugend bis heute in ein paar großen Kapiteln zusammenfassen müsstest, welche wären das?

Ich habe mit sechs Jahren mit klassischem Klavierunterricht begonnen, der mir nicht besonders zusagte. Mit Solfège und dem traditionellen Lernweg tat ich mich sehr schwer. Sehr schnell habe ich angefangen, vor allem nach Gehör zu spielen und zu versuchen, das nachzuahmen, was ich hörte. Das wurde zu einem Spiel. Ich nahm noch ein paar Stunden, hörte dann aber relativ rasch wieder auf.

Nach dem Abitur habe ich eine Tontechnikschule besucht, die ISTS. Nebenbei war ich schon in der Mittel- und Oberstufe ziemlich geeky. Ich wollte Filmmusik machen, war aber nicht am Konservatorium. Stattdessen war ich schon tief in Musiksoftware eingetaucht, vor allem Logic, und das machte mir großen Spaß.

Nach dem Abschluss meiner Ausbildung bin ich nach Boston gegangen, um am Berklee College of Music zu studieren. Für die Aufnahme brauchte man ein Hauptinstrument, also habe ich mich mehrere Jahre lang wieder intensiv dem Klavier gewidmet, weiterhin nach Gehör, ohne Noten. Dort wurde ich wirklich in Filmmusik ausgebildet: für Kino und Videospiele. Und direkt nach dem Abschluss habe ich zu arbeiten begonnen.

Gibt es rückblickend einen entscheidenden Wendepunkt in deinem Werdegang?

Mein Weg verlief eher schrittweise, wie eine Treppe. Es gab keinen Moment, in dem plötzlich alles explodierte. Ich habe mit vielen Kurzfilmen und Dokumentarfilmen angefangen, dann kam ein erster Spielfilm, eine Serie, und nach und nach hat sich eins ans andere gereiht.

Es gab aber trotzdem einen ganz besonderen Moment: einen Anruf, den ich sehr früh morgens von einem Produzenten bekam, der mir sagte, dass zwei Regisseure bei ihrem ersten Spielfilm mit mir arbeiten wollten. Anfangs dachte ich, das sei ein Scherz, ich war noch nicht richtig wach und wusste nicht einmal, wer das war. Aber es war ernst gemeint. Das kam relativ früh in meiner Laufbahn, und plötzlich war ich bei einem großen Film mit einem großen Team dabei.

Das war wirklich ein Wendepunkt. Die Leute begannen, mir mehr zu vertrauen, mich ernster zu nehmen. Und auch ich dachte mir: „Jetzt geht’s los.“ Dieses Jahr war extrem dicht: dieser erste Spielfilm, parallel eine Serie, sehr viel spielte sich in etwa neun Monaten ab. Das war letztes Jahr, und eindeutig ein Schlüsseljahr.

Du sprichst oft von einem Einfluss der minimalistischen Musik. Woher kommt das, und wie begleitet es dich?

Ich habe die minimalistische Musik sehr früh entdeckt, über das Klavier. Philip Glass, John Adams – das waren wichtige Bezugspunkte. Parallel dazu hörte mein Bruder viel Minimal Electro House. Zu Hause, als ich klein war, ließ er mich unzählige Schallplatten hören. Das gefiel mir überhaupt nicht, aber ich erinnere mich sehr gut an diese Übung, bei der er sagte: „Hör mal, jetzt kommt ein Instrument dazu, jetzt ein zweites Motiv, jetzt ein drittes.“

Sehr schnell haben mich diese repetitiven Motive, fast obsessiv, geprägt. Ich bin selbst ziemlich obsessiv veranlagt, und diese Motive blieben mir tagelang im Kopf. Ich liebte es, sie am Klavier nachzuspielen und dann noch etwas darüberzulegen.

Als ich anfing zu komponieren, machte ich das schon, ohne es wirklich zu verstehen: ein Motiv nehmen, es in einer Schleife wiederholen, nach Gehör Harmonien suchen. Und bis heute arbeite ich genau so. Selbst wenn ich elektronischere Musik mache, gehe ich immer von einem wiederholten Thema aus und lege dann Schichten darüber, Klavier oder andere Instrumente. Die minimalistische Musik war immer da, und ich glaube, das wird auch so bleiben.

In dem, was du beschreibst, steckt fast eine Art Trance?

Absolut. Es ist sehr obsessiv. Man ändert eine einzige Note, und alles kippt, obwohl sich ringsherum nichts bewegt hat. Das ist eine sehr reiche Musik mit wenigen Elementen, und genau das mag ich.

Bringt dich dieser Ansatz manchmal in Widerspruch zu eher poppigen Musikformen?

Ja, absolut. Wenn ich an Filmen arbeite, gilt eine ganz andere Logik, aber manchmal komponiere ich auch für Musikbibliothek-Alben. Erst kürzlich habe ich das gemacht, und man verlangte von mir eine sehr poppige Struktur: Strophe, Refrain, A, B, Bridge … Mich interessiert eher die leichte, fortschreitende Entwicklung von einem Punkt A zu einem Punkt B, der manchmal völlig anders ist, ohne zwangsläufig über Refrains oder feste Strukturen zu gehen.

Du hast vor Berklee eine Tontechnikausbildung gemacht. Wie blickst du heute darauf zurück?

Um ganz ehrlich zu sein, habe ich diese Schule mangels Alternative besucht, nicht aus freier Wahl. Eine traditionelle Herangehensweise lag mir überhaupt nicht. In Frankreich gab es damals außerhalb des Konservatoriums kaum reine Musikschulen.

Ich bin dorthin gegangen, weil es mir am nächsten an der Filmmusik zu liegen schien. Aber es waren drei ziemlich mühsame Jahre. Ich habe komplett aufgehört, Klavier zu spielen. Ich sah meine Kommilitonen, die sich für Mischpulte, Regler und Technik begeisterten, und ich selbst fand daran kaum Freude. Sobald es ein etwas kreativeres Projekt gab, war ich diejenige, die diesen Part übernahm, aber das blieb die Ausnahme.

Nach dieser Schule habe ich zwei Jahre lang gar keine Musik mehr gemacht …

War Berklee also ein sehr starker Bruch?

Ja, eine echte Befreiung. Zum ersten Mal fühlte ich mich legitimiert, mir vorzustellen, dass ich vielleicht Filmmusik machen könnte. Ich habe dort enorm viel gelernt. Etwa 50 % der Studierenden kamen aus dem Ausland, was eine unglaubliche Vielfalt schuf, musikalisch wie menschlich.

Es gab auch diese amerikanische Methode: Statt deine Schwächen aufzuzeigen, fragt man dich, was deine Stärken sind, und fördert sie maximal. Am Anfang war das sehr beeindruckend. Dann habe ich verstanden, dass es Platz für alle gibt, besonders in der Filmmusik, wo Kreativität nicht wie eine sportliche Leistung gemessen wird.

Die ersten Monate waren intensiv, dann bin ich richtig in den Zug eingestiegen. Und das war großartig.

Begleitet dich diese Denkweise noch heute?

Ja, natürlich. Ich habe diesen sehr gesunden Umgang mit Musik beibehalten: die Arbeit anderer nicht zu bewerten, das Kollektiv dem Wettbewerb vorzuziehen. Wettbewerb kann mich anspornen, aber ich arbeite lieber im Team. In der Filmmusik funktioniert es nicht, wenn man kein ausgeglichenes Verhältnis zum kreativen Prozess hat. Es ist ohnehin schon ein emotional sehr fordernder Beruf.

Du arbeitest gerade an vielen aktuellen Projekten: Serien, Spielfilme. Wie ist die Serie Enjoy entstanden?

Man hat mich nach einem Festival kontaktiert, bei dem ich ein Ciné-Concert gegeben hatte. Die Produzentin hatte mich auf der Bühne gesehen und fand, dass meine Klangwelt zur Serie passte. Ursprünglich sollte es einen Wettbewerb zwischen mehreren Komponisten geben, aber am Ende blieb ich allein übrig.

Ich habe an sechs etwa vierzigminütigen Episoden gearbeitet. Das Tempo war sehr dicht, zumal ich parallel an einem Spielfilm arbeitete, mit Abmischungen, die zur gleichen Zeit anstanden. Es war sehr intensiv, aber unglaublich spannend. Ich konnte am Set dabei sein, meine Anwesenheitstage selbst wählen, eng mit den Cuttern zusammenarbeiten. Alles hat sich ziemlich natürlich zusammengefügt.

Auch dein erster Spielfilm, Des jours meilleurs, war eine prägende Erfahrung.

Ja, das ist der erste Spielfilm, an dem ich gearbeitet habe. Die Regisseure hatten meine Musik über die Website des Kollektivs Troisième Autrice entdeckt. Ein Stück, das ich für mich selbst geschrieben hatte, ohne Bild, wurde zum Thema des Films. Der Film wurde sogar auf die Musik hin geschnitten, was für einen Spielfilm sehr selten ist. Das machte den Prozess außerordentlich flüssig. Für einen ersten Film war das sehr angenehm, zumal ich genau die Musik machte, die ich am liebsten mache.

Du warst auch an Classe moyenne beteiligt.

Ja, auch hier gab es eine sehr starke Verbindung zu bereits existierenden Stücken. Ich kam auf einen fast fertigen Schnitt mit sehr schönen Bildern. Vor allem habe ich ein Thema weiterentwickelt, das ich schon einige Jahre zuvor komponiert hatte. Der Prozess war sehr schnell, sehr flüssig. Es gab nur sehr wenige Versionen, und die Arbeit dauerte insgesamt etwa drei Monate.

Was ist dir am wichtigsten, wenn du ein Projekt auswählst?

Was mich zuerst reizt, ist die Emotion, die ich durch die Musik vermitteln soll, und der musikalische Stil, den mich das Projekt zu erkunden bringt. Das Thema zählt, aber die Beziehung zur Regisseurin oder zum Regisseur ist entscheidend. Wenn die Beziehung schwierig ist, hindert mich das am Kreieren. Ich brauche eine gute zwischenmenschliche Basis und ein Projekt, dessen Emotion und Musik mich ansprechen.

Wenn du eine „magische“ Karte hättest und die Musik zu einem beliebigen Film komponieren könntest?

Das wäre auf jeden Fall ein Film der Textur. Filme wie American Beauty, mit der Musik von Thomas Newman, oder Aftersun. Filme, in denen an der Oberfläche wenig passiert, aber innerlich enorm viel, und in denen die Musik genau diese Emotion übersetzt.